Molotov

Historia

1995 — Ciudad de México

Cuatro amigos y demasiado enojo

Molotov arrancó en 1995 en Ciudad de México, cuando Tito Fuentes y Micky Huidobro comenzaron a tocar juntos. La formación original de septiembre de ese año incluía también a Javier de la Cueva y a un baterista conocido como La Quesadillera, pero la alineación cambió rápidamente. En octubre de 1995 entró Randy Ebright a la batería, un músico estadounidense que traía una paliza diferente al groove. Al año siguiente, Javier de la Cueva se fue y Paco Ayala tomó el bajo, completando el cuarteto que definiría el sonido de la banda.

Lo que tenían en común los cuatro no era tanto la misma raíz musical —sus influencias iban del hip-hop al punk al metal— sino el mismo rechazo a los géneros como compartimentos cerrados. En sus composiciones tempranas, el rap convivía con riffs pesados sin que nadie pidiera permiso para mezclarlos. Las letras combinaban español e inglés en la misma línea, con sátira política y social mezclada con humor que a veces rayaba en la provocación directa. Para el México de mediados de los noventa, eso era difícil de clasificar, y lo que es difícil de clasificar suele ser difícil de programar en la radio.

En julio de 1997 lanzaron “¿Dónde Jugarán las Niñas?”, su álbum debut. La portada y el contenido generaron una respuesta inmediata: varias tiendas se negaron a venderlo. La controversia, lejos de hundirlos, funcionó como amplificador. El disco llegó a una audiencia joven que reconocía en las letras de Molotov una irreverencia que no encontraba en otro lugar del rock en español. Con el tiempo, y sobre la base de ese primer álbum y los que siguieron, la banda vendería más de cuatro millones de copias de sus discos en todo el mundo.

En 1999 llegó “Apocalypshit”, producido por Mario Caldato Jr., el mismo responsable de varios discos de los Beastie Boys. La producción amplió el sonido sin quitarle filo. Ese año, Molotov participó en el Vans Warped Tour y giró por Europa, incluyendo Rusia. Lo que en México era una anomalía difícil de encajar en la radio comercial, fuera del país resultó ser exactamente lo que ciertos públicos llevaban tiempo buscando.

Sonido y estilo

El sello Molotov

Rap rock sin disculpas

Clasificar a Molotov como “rap rock” es correcto pero incompleto. Su música parte de una base que mezcla guitarra con distorsión pesada, bajo prominente y batería directa, pero lo que distingue el resultado de otros grupos del mismo género es el uso del rap como vehículo de contenido político real, no como ornamento de rebeldía superficial.

Las letras de Molotov son en español e inglés, a veces mezclados en la misma canción. Hablan de la corrupción política mexicana, del racismo, de la migración, de la hipocresía institucional. Lo hacen con un lenguaje que en varias ocasiones le costó a la banda censura o exclusión de espacios de difusión convencionales. La provocación no es postura: el contenido sostiene la actitud.

Cuatro integrantes, cuatro voces que rapean y cantan. No hay un vocalista solista en el sentido tradicional. La distribución del micrófono es parte estructural del sonido de la banda.

En términos de influencias, la banda ha reconocido el hip-hop afroamericano, el punk, el metal alternativo y la música electrónica. Grupos como los Beastie Boys, Rage Against the Machine y Faith No More aparecen en distintos momentos como referencias, aunque el sonido final de Molotov es lo suficientemente propio como para no reducirse a ninguna de esas comparaciones.

Discografía

Legado

El legado de Molotov no se mide con el rasero de las listas de éxitos ni con las métricas de la radio comercial. Se mide con otra cosa: la cantidad de personas que recuerdan exactamente dónde estaban la primera vez que escucharon “Gimme tha Power” o “Frijolero”, y lo que sintieron al descubrir que alguien había puesto en música lo que pensaban pero no sabían cómo articular.

En el contexto del rock latinoamericano de los noventa, Molotov representó una posibilidad que pocos habían explorado con esa consistencia: que el rock en español podía ser político sin ser solemne, que la crítica podía coexistir con el humor, que la mezcla de idiomas en una letra no era un compromiso sino una decisión estética con lógica propia.

Su influencia se siente en varias generaciones de bandas mexicanas que encontraron en ellos la prueba de que el enojo —cuando está bien articulado— es un instrumento tan válido como cualquier otro.

Cuatro millones de copias vendidas. Dos Grammy Latinos. Treinta años activos. Y ninguno de esos datos explica del todo por qué siguen llenando recintos.